Ексклузивни интервју са мајстором акварела: Јохном Салминеном
Сваки пут када погледам дело Јохна Салминена једноставно се усрећим. Проводим неколико тренутака проучавајући сваку слику - узимајући боје, композиције, приповести, форме - и ова визуелна апсорпција само усипава мој дух. Из тог разлога, између многих других, одушевљен сам Џон Салминен поротником за 10. годишњу међународну изложбу водених медија.
Његово стручно знање и бројна уметничка признања чине га идеалним поротником за ово такмичење. Не само да подучава и не учествује у сликарским догађајима широм света, већ је и члан Америчког удружења акварела, Националног друштва акварела и Транспарентног акварелног друштва Америке.
Салминен је освојио више од 220 награда на националним и међународним изложбама, а позван је и уметник на бројним међународним изложбама акварела у Кини, Сингапуру, Тајвану, Тајланду, Русији, Турској, Мексику, Италији, Белгији и Аустралији.
Сазнајте све о Јохну Салминену, признатом поротнику за Ватермедиа Сховцасе, у овом ексклузивном интервјуу у наставку. Уживати!
Како сте се заинтересовали за акварел?
Један колега наставник уметности и ја пријавили смо се за неколико часова, обухватајући временски оквир од две године. Ово није моје прво искуство с акварелом, али то је био замах који ми је био потребан да се озбиљно заложим за медиј.
Научио сам многе корисне технике, али најважније сам сматрао да је интригантан приступ акварелу усмерен на дизајн. Све више сам схваћао важност чврсто развијене основе засноване на дизајну.
Што сам више сликао, то сам више схватао колико морам да научим. Осјећам да још увијек градим на информацијама и вјештинама које сам стекао током тих предавања.
Ко су вас уметници акварела највише инспирирали?
Почео сам као апстрактни експресионистички сликар. Концепти и приступи ДеКоонинга и Франза Клине и даље су ми главни у глави када започнем нову слику.
Када сам, репрезентативно, почео да сликам акварелом, господин Цхенг Кхее Цхее је имао снажан утицај. И у почетку сам желео да се сликам баш попут њега. У исто време, учио сам од калифорнијских сликара - великих брзих и лабавих пленара који су возили медијум напред.
Роберт Е. Воод и Моррис Схубин пружили су ми још један начин да у своје комаде уклопим дизајн. Франк Вебб је рјечито писао о тој теми, а ја сам пажљиво проучавао његов приступ.
Како сам постао вештији, почео сам да претпостављам свој стил. Моји утицаји су постали фино подешени.
Док не покушавам да опонашам дело или стил других сликара, инспирацију непрекидно добијам од многих уметника. Интересантна ми је тренутна употреба богатих сивих боја Деана Митцхела, блистави одељци Јосепха Збуквића и способност Мари Вхитеа да ангажује гледаоца на емотивном нивоу.
Док подучавам, просуђујем, посећујем изложбе и гледам рад у књигама или широм друштвених медија, видим делове слика и комаде слика због којих размишљам о томе како одређени ефекат или чак врста ударца четком могу утицати на мој рад. Све што видим има потенцијал да модификује моје мишљење и суптилно утиче на мој рад. Увек ћу бити студент, а пажљиво посматрање дела сликара којима се дивим помаже ми на путу ка унапређењу.
Шта тражите - шта вас највише привлачи - када тражите потенцијалне теме?
Радим на фотографијама које снимим на локацији, користећи тражило камере као своју скицу. Тражим промјене вриједности и занимљив састав када одредим када треба притиснути окидач. Ти исти елементи ми помажу да одредим коју од многих мојих фотографија могу одабрати за слику.
Једном када изаберем предмет са јаким саставом, постаће мој посао да га напуним додатним садржајем који ће разговарати са гледаоцима. У ту сврху често додајем фигуре и мењам расположење и атмосферу прилагођавајући структуру вредности да бих пренео осећај времена и места.
Неки се субјекти лакше подучавају „причи“од других. То је део изазова у стварању слике са којом људи могу да се повезују.
Многе ваше слике садрже добро познате локације. Мислите ли да вам ово помаже у успостављању расположења или повезаности с гледаоцем?
Коришћењем предмета са којима се гледаоци могу повезати позивам их да комуницирају са делом. Један од мојих циљева је приказати гледаоцу мало другачији поглед на познату икону.
Ваш рад је познат по снажном дизајну сложених предмета. Да ли правите мале прелиминарне отказе или студије вредности?
Дуги низ година попуњавао сам скетцхбоок по скетцхбоок детаљним цртежима урађеним на локацији. Потом сам се вратио у свој студио и цртао скице гледајући дизајн, композицију и вредност.
Други цртеж постао је мој цртеж слике, а моја скица на локацији пружила је убедљиве детаље. Након толико праксе са овим приступом заснованим на дизајну стварања образаца вредности, динамичних аранжмана облика и занимљивих композиција, сада осећам да сам ове принципе интернализовао.
Могу идентификовати снажан субјект и док фотографирам и док их скенирам тражећи референце за сликање. Међутим, још увијек доодле док разговарам телефоном. Када имам мало више времена, волим да га проводим правећи апстрактне аранжмане тамних, средњих и светлих вредности - композиција на свом најважнијем нивоу. Док музичари са успехом настављају да вежбају вагу, настављам да компонујем.
Једном када се успоставе композиција и смер слике, да ли настављате без већег прелиминарног рада?
Једном када видим шта желим да сликам урадим опсежан цртеж, преуређивање и редизајнирање баш као што сам то радио у мојој скици. Вредност чврстог цртежа је што ме ослобађа током процеса сликања да се концентришем на расположење и осећај.
Будући да су моје слике често прилично велике, цртеж ме држи у контакту с мојом оригиналном намером. И време проведено у стварању цртежа повраћа се током процеса сликања.
Открио сам да је важно да често постављам слику и гледам је пажљиво и критички. Слика често развија сопствени глас, а понекад сугерише нови правац.
Шта нам можете рећи о вашој ефикасној употреби неутрала и ограниченој боји? Тако добро користите тамне вредности и дубоке сенке. Да ли икад користите црно - ако само за додатни ударац?
Моја употреба неутрализоване боје заснива се на концепту инсценирања. Стварањем пажљиво оркестриране слике користећи комплементарне мешавине и богату мешавину сиве боје, могу да користим мале количине чисте, светле боје да створим драматични акцент.
Користим и црну лампу као драматични акцент, стављајући чисту црну у део слике који је већ посвећен веома тамним мешовитим црним бојама (на пример ализарин гримизно и фтало зелено или ултрамаринско плаво и изгорело умберр). Црна лампица даје блиставост околним тамним пролазима и пружа додатни снап потребан за стварање тамног акцента.
Користите референцу фотографија за своје студијске слике. Да ли сте имали неких правих недостатака у раду са фотографијама?
При раду са фотографијама постоји потенцијални ризик. Уметници понекад једноставно копирају оно што је камера снимила или раде са фотографија које су снимили други људи. Ово би могло ограничити способности уметника да изразе своје појединачне креативне визије.
Дуго година сам учио фотографију и верујем да су естетски стандарди по којима процењујемо фотографију другачији од оних које користимо за оцењивање слике. Просто увећање фотографије помоћу боје изгледа глупо. Продавница фотокопирања може то учинити брже и јефтиније.
Мој изазов при коришћењу референци за фотографије је да створим дело које се ослања на сликарско руковање медијем и користи моје могућности за побољшање и побољшање стварности сцене. Често имам емотивну реакцију на своје субјекте. Оно што видим обојено је збиром мојих сопствених искустава.
На пример, понекад су на мој поглед на сцену утицали прелепи описни одломци аутора попут Саула Белловса. Или се сећам како сам се осећао док сам стајао на локацији гледајући кроз своје тражило. Сећам се тутњаве повишеног воза или мириса печења кашу од оближњег продавца. Сви ти фактори који доприносе додају елементе мојој слици који нису били укључени у почетну референцу фотографија.
Фотографија вјерно биљежи детаље. Морам дати предност том детаљу, протумачивши га и надам се да ћу га побољшати. Ове ствари, у комбинацији са квалитетом ознаке на страници, разликују слику од фотографије.
Да ли радите са неколико различитих фотографија истог предмета?
Често комбинујем слике да бих побољшао композицију или побољшао причу која се прича.
Који папир најчешће волите - марка, хладна преша, врућа преша итд.?
Најбољи папир за мој сликарски поступак је д'Арцхес хладна преша од 140 лб, у пуним листовима, величином слона или већим комадима изрезаним из пецива. У потпуности задовољава моје потребе.
Да ли припремите свој папир на било који начин - навлажите га, растежете итд.?
Једноставно залепим папир на комад пенасте језгре, тако да траку поставим на око 1/2 инча од ивице папира. Користим пенасту језгру коју сам претходно нарезао на исте спољне димензије своје простирке и комад плексигласа, омогућавајући ми да лако пребацим слику иза простирке.
Плексиглас враћа површину сјај. Овај једноставан систем подстиче честе периоде размишљања како настаје слика.
Имате ли неке боје на које се ослоните, а неке које покушавате да избегнете из било којег разлога?
Моје омиљене боје су врло традиционалне. Моја палета се није много променила више година. Ализарин Цримсон и Птхало Греен сједе један поред другог, као и Ултрамарине Блуе, Бурнт Сиенна и Бурнт Умбер. Ово су комбинације радних коња мојих неутралних шема боја.
Још једна комбинација која ми се допада је Церулеан Блуе и Кадмијумска наранчаста како би се створиле неке богате тешко одредљиве боје. Мој једини недавни додатак фаворит је практично свих: Куин Голд. Међутим, користим га с опрезом, јер жели бити звијезда емисије, хтио или не.
Моје омиљене смеше настају након пар дана сликања, када гнојница на средини моје неиспране палете почне бити занимљива.
Лично избегавам сву жутозелену боју. Једино зелено у мојој палети је фтало јер је цоол и добро се меша са другим бојама.
Ваше пленарне слике представљају диван, али потпуно другачији стил. Да ли су допринели еволуцији вашег студијског сликарског стила?
Моје студијске слике захтевају 40-60 сати. Будући да јако уживам у чину сликања, то ми није проблем. Толико сам уроњен у мале апстракције које се појављују док примењујем унутрашње детаље да бих могао да наставим да сликам заувек.
Међутим, недавно сам био позван да учествујем у пленарним путовањима сликања у Кини и другим местима. Мој студијски стил не би био изводљив, па сам преиспитао своје корене - калифорнијски брз и лабав стил. За мене је угодно и добро се слаже са основним дизајнерским концептима које сам развијао током година.
Уживам у могућности да завршим слику за сат или два и све сам више задовољан резултатима. Мислим да ова искуства јачају мој рад у студију, јер ме враћају у везу са предивним блиставим аспектом брзо нанесених прања - нечим што се понекад изгуби у студију.
Кад с камером излазим на улице, стварам слике потпуно истог начина размишљања као кад сликам напољу како доживљавам сцену из прве руке. Нема толико раздвајања колико се може чинити. Највећа разлика је у томе што када сликам слободно, користим готово искључиво квадратне четкице, уместо мог омиљеног у студију, четкицу са шестерокутом.
Који је најбољи савет који можете понудити младом, надахнутом уметнику акварела?
Чујем ово питање пуно: „Шта могу учинити да будем бољи сликар?“Да ли га поставља почетник или искусни уметник у нади да се побољша, одговор је увек исти - БОЈИТЕ ВИШЕ! Што више сликамо, боље постајемо и више уживамо у томе.
Такође бих предложио да млади амбициозни уметници покушају да пронађу место за сликање тамо где није потребно да се руше и постављају изнова за сваку сесију сликања. Није важно имати фантастичан студио - само место где се боје и папир могу несметано остављати.
Уметници који чекају да муза проговори понекад могу дуго да чекају. То време можете провести вежбајући, бришући сликарске вештине. Једном када се озбиљно посвети и приоритет је проналажење времена за редовно сликање, уследиће остало. Као и све остало у чему тежимо да савладамо у животу, и пракса је одговор.
Такође је важно да не дозволите да препреке или одбијања постану узнемирујуће или фрустрирајуће. Ја напредак процењујем у корацима од пет година, а не од једне до друге слике.
Не приказујем исту слику на више такмичарских изложби, и предлажем да и други сликари учине исто. По мом мишљењу, гледаоци ће бити мање заинтересовани за слику други пут када је виде, а још мање трећи пут.
Уместо да се ослањам на једну веома успешну слику, охрабривао бих сликаре да се врате у атеље, радећи на још бољем. И лични раст као уметника и развој гледаочке публике наићи ће на оне уметнике који су посвећени да се крећу ка циљу који сви делимо - дајући све од себе.
Прилози члана Паул Сулливан; све фотографије изузете из књиге Јохна Салминена, Јохн Салминен, Мајстора урбаног пејзажа, коју можете погледати овде.
