Шеста по реду екслузивна серија извођача:
Мајстори америчке аквареле
Степхене, шта нам уопште можете рећи о себи као уметнику и свом начину рада
Прво и најважније, сликар сам водених медија. Можда ћу се наћи на месту слике у високој држави, проводећи дан користећи искључиво прозирни акварел. Тада могу бити у студију како радим у медијуму или комбинацији медија разблажених водом, укључујући акварел, гваш, акрил и казеин. Те медије користим на "акварелни начин", али откријем да сваки има своје визуелне квалитете и карактеристике руковања које додају мом речнику и изражавању као сликар воденим медијима. Током година радио сам у већини свих медија, укључујући штампарију, али открио сам да постоји духовни квалитет када радим у воденим медијима који ме привлачи. У оним тренуцима када је папир мокар, а боја и четкица се крећу, слушам, посматрам и реагујем и постајем део процеса. Наравно, све ово долази са 45 година сликања сваког дана. Ипак сваки нови папир доноси ново искуство и откриће.
Како сте се заинтересовали за акварел?
Почетком 60-их похађао сам вечерње часове акварела где сам научио да рукујем четком и основним основама медија. Мој први инструктор био је Даррелл "Скип" Еллиот, који је касније отворио галерију у Таосу, Нев Мекицо. Затим сам студирао код Томаса Цуррија, који ме је упознао са теоријом боја. Ова два сликара су ме покренула.
Ко су били уметници акварела који су на вас највише утицали?
Од тада сам развио страст према студирању уметника и историје уметности и сада имам значајну библиотеку за референцу. Међу многим сликарима који су утицали на мене два су у првом плану: Артхур Мелвилле (1855-1904) и Цхарлес Бурцхфиелд (1893-1967). Прву акварелу сам видео шкотског сликара Мелвиллеа у музеју Вицториа анд Алберт у Лондону 1984. године. Имао је врло сликарски приступ, примењивао је и дизао акварел, а затим додавао неку прозирну и непрозирну гвашу. Од тада сам био у многим британским музејима да проучим његове радове. Моје интересовање за Бурцхфиелда је да је он копао испод површине приликом сликања пејзажа. Сликао је звукове, мирисе, покрет, ветар и енергију која оживљава субјект. Био сам сведок прве изложбе Бурцхфиелда у Кеннеди Галлериес у Нев Иорку средином 70-их. Овог лета позван сам да одржим разговор, демонстрацију и малу изложбу својих дела поводом 50. годишњице уметничког центра Бурцхфиелд-Пенни у Буффалу, НИ
Рекли сте да су уметници у најбољем реду када сликају оно што знају. Ви сте сликар природе. Можете ли нам рећи како се то односи на ваш рад?
Као сликару важно је пронаћи предмете за које ме највише страствено занимају и затим се уронити у њих. На пример, ја сам сликар пејзажа који живи и дише планинским планинама Сан Јуан из Колорада. Имам кућу и студио поред реке Рио Гранде са 360 степени поглед на ове планине. Свака промена светлости или расположења, ја то видим. Током година дубље видим ове предмете, интимно познавајући форме. Ово ме ослобађа да изразим. Сретна сам особа што сам нашла место где је моје срце; све остало је засновано на томе. Када сликам или сликам у атељеу, потребно ми је времена да медитирам и да се бавим темом. За мене није довољно само буквално сликати сцену. Желим да протумачим и сликам како се осећам према ономе што видим. Могу преуредити композицију, преувеличати боју или мржњу ових живих форми, или се задржати на расположењу или тренутном светлу иако се дан променио.
Шта вас највише привлачи када тражите потенцијалне теме?
Откривам да ме најбоље идеје проналазе а не супротно. Уместо да тражим идеје, најбоља инспирација долази док ми је ум у неутралном положају. Међутим, увек носим књигу скица за случај да се нешто догоди. На пример, током скијања у касним поподневним сатима, постајем свестан сензација светлости и сенки на лицу док се шећем низ брдо. Заустављам се и размишљам „то је оно што треба да сликам.“Навучем записе и направим скице, правећи белешке које резултирају важном сликом.
Вршите широко цртање и сликање на локацији. Да ли се ваше студијске слике обично заснивају на вашој локацији?
Већина мојих студијских слика заснована је на искуствима сликања и скицирања на лицу места. Слике у студију су обично веће, усредсређене на боју и израз - експерименталне воде и композицију засноване на скицама и акварелним сликама на локацији.
Да ли сматрате да су фотографије корисне?
Недавно сам са собом понио дигитални фотоапарат. Фотоапарат користим ако су ми руке прехладне за скицирање или сам с пријатељима; Касније сам фотографију ставио на екран свог рачунара и скицирао из тога.
Ваше слике су препознате по јаком дизајну и боји. Да ли правите мале прелиминарне композиције и грубе боје?
Узимам своје слике и скице на локацији, проучавам преуређивање композиције и биљешке у боји. Ова припрема је важна за референцу, али када започнем сликање, дозволила сам јој да пронађе свој живот и нађем се удубљена у процес. Понекад почнем да сликам, а онда наизглед тренутак касније постаје мрак и крај дана. Сликарство нема никакве везе са временом већ тотално енергијом и љубављу која улази у то.
Такође сте познати по свом развоју и истраживању боје. Шта нам можете рећи о томе?
Целог живота ме је занимало боја која је довела до развоја Куиллер Вхеел-а, две књиге и много видео записа у боји. Ови поучни материјали наглашавају како сликар може користити теорију боја и палету. Укључујем дванаест универзалних палета боја које могу да забиљеже било коју боју, расположење, регион или предмет. Тај приступ сада користе уметници широм света. Концепти и палета могу се користити у било којем медијуму. Када користим акварел, моја 12 палета боја укључује: Основне нијансе - кадмијумско жуто светло, квинирридон ружу и фталоцијанино плаву (зелену нијансу) секундарне производе - кадмијум црвено-наранџасту, ултрамаринску љубичасту и фталоцијанинско зелену (плава нијанса) или виридијанску
Интермедијари - кадмијум наранџасти, кадмијум црвени, магента, ултрамаринско плава, фталоцијан тиркизна, трајно зелено светло.
Постоје ли неке боје цеви на које се ослоните више од других - а које избегавате?
Поред тога, имам неколико додатних боја које су важне јер гранулирају или помажу у дефинисању одређеног расположења. Две од мојих најкоришћенијих боја су кобалтно љубичаста и напуљска жута, обе у мојој линији потписа и увожене и дистрибуиране од компаније Јацк Рицхесон. Ја намерно не избегавам боје јер за било које може бити времена и места. Међутим, обично не користим земљу или неку неутрализовану боју. То је зато што се са мојим системом било шта од тога може лако помешати са флексибилношћу прихватања ноте боје према неутралнијој или чистој нијанси.
У неким случајевима користите прозирни акрил и прозирни акварел на истој слици. Да ли ово може представљати било какве техничке проблеме?
Као што сам раније напоменуо, сваки од водених медија има своје посебне визуелне квалитете и карактеристике руковања. На примјер, могу да очистим акрил прозирно на грубом папиру акварела. Када се прозирно користи, акрил ће се осушити истим интензитетом и вредностом као кад је влажан (за разлику од акварела који ће се сушити двоструко више од светлости). Када се користи у чистом стању, акрил ће постићи леп и блистав, богат тон. Такође мрља влакна, али не заптива папир. Када се осуши, боја се неће повећати због везива од поли смоле. Тако ћу уместо белог дела акварелног папира користити светли тонирани комад папира. Могу да намочим и нанесем гранулациону акварелу на површину и вратим се на тонирани акрил. Могу то још више гурнути додавањем прозрачних и непрозирних нота гваша или казеина како бих истакнуо прозирне акрилне и акварелне визуелне квалитете.
Који папир више волите - марка, хладна преша, врућа преша итд.?
Овисно о медију, теми и приступу који најчешће користим, ова три носача најчешће користим. Свиђа ми се груби акварел папир од 300 фунти са површином величине као што су Ватерфорд, Ланакуарелле или Фабриано Артистицо; плоча акварела са хладном прешом попут Цресцент # 5114 или Цансон; Акуаборд од Амперсанд. Ни на који начин не припремам папир пре него што почнем.
Који је најбољи савет који можете понудити амбициозном уметнику акварела?
Имао сам невероватну срећу што сам сликао свој живот. То није начин за живот, већ начин живота. Природно је рано у каријери размишљати „Једног дана ћу моћи да користим боју на изражајнији начин, или да имам јаче композиције, или да будем технички вештији.“Размишљајући, постоје ствари које сам радио у раној каријери то данас не могу. И постоје ствари које данас радим, а које тада нисам могао. Важно је схватити да је свака фаза сликарске каријере важна и да се гради на следећем. Сваки тренутак процеса је значајан. Прихваћам то са захвалношћу и ценим вожњу.
Стевен Куиллер редовни је професионални сликар од 1972. Степхен је учитељ и теоретичар боја. Написао је шест књига, продуцирао много ДВД-ова и сликао широм света. Међутим, најпознатији је по сликама своје вољене планинске државе Јужни Колорадо. Поред многих награда и чланства, Степхен је члан Националног удружења акварела и потписник и Долпхин Феллов из Америчког удружења акварела. За више информација о Степхену посетите његову веб локацију.
сачувати
сачувати
сачувати
сачувати
сачувати
сачувати
сачувати
сачувати
сачувати
сачувати
сачувати
сачувати
сачувати
