Четврта у ексклузивној дневној серији извођача:
Мајстори америчке аквареле - Мари Вхите
Америчко портретно друштво објавило је да је Мари Вхите
је 2016. добитник своје Златне медаље. Награда је највећа част Друштва.
Како сте се заинтересовали за акварел?
Акварел сам први пут доживео када сам био у уметничком разреду у седмом разреду. Напољу смо сликали пејзаж, а ја сам опрезно гурао четкицу по папиру. Сјећам се да је учитељ узео моју руку напуњеном четком и извео подебљан, закривљен ход по целом делу неба слике. За мене је то изгледало као шарена комета која вири небом, остављајући иза себе реп са ситним искричавим белим папиром. Никада ме није надвладао тај осећај усхита када се сликам акварелом.
Разумем да сте се научили сликању акварелом. Како си то урадио?
Седамдесетих и осамдесетих година није било доступних интернетских видео записа или ДВД-а са упутама о техници акварела. Водене боје нису (и још увек нису) традиционално предаване на многим академијама, јер се одувек посматрало као „лаган“медиј. Тада нисам могао никога да ме научи акварелу, па сам научио разне технике проучавањем књига о уметности и одласком у музеје. Научио сам експериментишући, покушај и пуно грешака.
Ко су вас уметници акварела највише инспирирали?
Умјетници акварела који су ме највише инспирирали били су Андрев Виетх, Јохн Сингер Саргент, Винслов Хомер и Хенри Цасселли.
Ваше слике одражавају искрено интересовање људи. Како бирате своје предмете?
Одувек ме занимало сликање људи. Бирам предмете за које сматрам да су дубоког, неуморног квалитета. Просечно, сваки дан ми се људи, који живе свој живот, углавном неопажено највише обраћају.
Рекли сте да уметник мора да научи како да се осећа и како да види. Можете ли то да нам објасните?
Постоје три компоненте за стварање експресивног дела. Прво је учење цртања, што значи и учење вокабулара композиције и технике. Други аспект је учење како видети, а односи се на препознавање нијанси вредности, боје, облика и светлости. Трећи аспект је учење да препознамо како и шта осећамо, и превођење тог осећања и емоције у изражајно и смислено уметничко дело. Та последња компонента је оно што на крају дефинише велику уметност - а то је дело које илуструје оно што је битно за уметника и осећа га гледалац.
Ваш рад је одликован снажним дизајном. Да ли правите мале прелиминарне грубе вредности и студије вредности?
Дизајн је главна компонента сликарства, а уметници га често превиђају. За мене је најкритичнији део настајања слике у припремним сличицама. Овде је концепт јасан концизним дизајном, доминантним обликом и поједностављеним вредностима.
Да ли радите из живота као и са фотографија?
У идеалном случају, волео бих да испуним све своје слике из живота, јер ту се и када најјасније виде сирове емоције и нијанса боје. Међутим, како често сликам људе на послу или у покрету, њихово задржавање мирно сатима није могуће.
Генерално, радије радим студију локације из живота, затим снимим неколико фотографија за референцу, и на крају, планирам и довршим слику у студију. Фотографије ми нуде више информација о изгледу модела, као и предлоге за позадинске и композицијске елементе. Ослањам се на своје памћење и машту о томе шта би могло бити, а затим уредим већину свега осталог. Никад није слика тачно оно што сам видео, али увек је оно што сам осећао.
Колико прелиминарног цртежа урадите за своје велике студијске слике?
У акварелу је врло мало простора за грешке, па је важно унапред добро испланирано цртање. На великим позадинама цртам врло мало, али у компликованим и детаљним областима, као што су лица, пажљиво цртам облике описне вредности пре него што почнем да сликам. Имати адекватан цртеж на папиру унапред је као имати мапу пута, и даје ми самопоуздање да могу да сликам брзо и у једном потезу.
Које четкице величине користите - генерално, највеће и најмање?
Студенти су често изненађени када сазнају да је најмања четкица коју користим округли колински. Еластична четкица долази до савршене тачке, омогућавајући ми да сликам око ситних трепавица или да направим шири ход. Четкицу коју користим производи АртКспресс и у мојој је руци 80% времена. Остале четкице које користим су широке четке од два или три инча, мачји језик од 1 инча (такође АртКспресс) и стара четкица за рибање.
Да ли за своје контролисаније области обично градите боју и интензитет у слојевима?
Знам да многи уметници прекривају акварел у сукцесивним глазурама. Радије бих обојити подручје у једном потезу како би задржао свежину боје. Чак су и моје најмрачније позадине углавном са само једним пролазом, омогућавајући тако да подручје има више атмосфере и дубине. Детаљи се полако сликају.
Да ли имате неке боје на које се ослоните с времена на време - а друге које покушавате да избегнете?
Данас је уметницима доступно много добрих брендова акварела. Моја лична преференција је боја коју је направила М. Грахам & Цомпани. Осим пигмената који бледе, нема „лоших“боја - само боје које се користе на погрешном месту. Ја више волим да користим прозирније боје за фарбање прозирне квалитете коже, а непрозирније боје за фарбање ефеката чврстих површина попут бетона, коре или прљавштине.
Који папир најчешће волите - марка, хладна преша, врућа преша итд.?
Покушао сам с многим врстама папира, али наставите се враћати хладном прешом Арцхес због његове текстуре и отпорности на рибање. Предлажем да уметници наставе да испробавају различите радове, како би пронашли оно што најбоље одговара њиховом стилу, као и да буду повремено изазвани новом и другачијом површином.
Да ли припремите свој папир на било који начин - навлажите га, растежете итд.?
Ја генерално волим тежи папир као што је 300 килограма који не треба истезати, јер узимање пиштоља за спавање током путовања додаје додатну тежину. Међутим, у студију радим спајалице и залепим свој папир доле на даску. С обзиром да је велики папир добро усидрен, добивам стабилну и равну површину погодну за сликање великих прања.
Који је најбољи савет који можете понудити младом, амбициозном уметнику акварела?
Акварел је препун неочекиваних изненађења, што је његова унутрашња лепота. Међутим, понекад ће се акварел поново испрати, покренути, постати пругаст или кредаст на непланиране начине и упропастити дело. Кад се то догоди, немојте себи рећи да сте лош сликар. Уместо тога, реците: „Није ли то занимљиво?“Забележите како се тај непланирани ефекат догодио, јер негде на путу ћете желети да се акварел поново понаша управо тако.
Мари Вхите је учитељица и уметница чије су слике освојиле међународно признање. Она је становница острва Јохнс у Јужној Каролини. Тамо добија велику инспирацију од локалних становника који су потомци обалних робова Каролине.
Кроз године, Маријин рад представљен је на многим изузетно успешним самосталним изложбама. Међу њима су изложбе под покровитељством Института Бутлер за америчку уметност, Националног уметничког клуба у Њујорку, Музеја уметности округа Греенвилле и Музеја америчке уметности Меннелло. Марија је добила бројне награде и медаље. 2012. године добила је престижну награду Елизабетх О'Неилл Вернер и биће јој уручена награда Златна медаља за 2016. годину од стране Друштва портрета Америке.
