|
|
|
|
|
Научите да цртате и никада нећете бити исти
Велики уметници знају да си никада не могу приуштити да оставе своје технике цртања ако се надају да ће наставити да расту и усавршавају своје радове. То важи за илустраторе, архитекте, сликаре, вајаре, дизајнере, чак и уметнике за тетовирање! Цртање је окосница уметности, омогућава уметницима да не само виде, већ и забиљеже оно што виде у линији и сенчењу, контурирању и гестикулацији.
Оно што највише узбуђује код учења цртања је то што постоји толико путева потраге. Уметник се може придружити програму цртања који је посебно прилагођен цртању из живота, радећи брзе студије и дужа сесија за снимање покрета и геста живог модела. Или цртање можете наставити као лично истраживање, узимати папир и оловку (или оловку) и излазити у свет да би једноставно нацртао. То вам може омогућити да научите како цртати са различитим медијумима - графит или оловку, дрвени угаљ, пастел, оловку и мастило и још много тога.
Али ако се уметник нада да ће савладати како цртати реалне предмете и фигуре сваки пут када стави оловку на папир, постоје технике цртања на које се човек мора усредсредити. Прво долази посматрање и координација руку-ока, тако да тренирамо око да тумачи оно што видимо на начине који имају смисла за цртање, без обзира на то који нам је предмет. Тада уметник може почети да учи цртање фигура и њихових поступака и поза. Уследиће часови животног цртања, као и учестало цртање у књизи скица. Ово је живот цртачких уметника - који се враћају и свакодневно користе цртање. То је обавеза, али награде уче како цртати било шта!
Како нацртати велику слику
"Један од највећих разлога који сликари упадају у проблеме су зато што њихове слике немају чврсту основу тачних и изражајних цртежа", каже њујоршки уметник Јон ДеМартин.
„Цртање је саставни део процеса прављења слика“, каже ДеМартин. „Пружа прилику за истраживање варијација теме. Уметник се може узбудити над једном идејом и улетјети главом у слику без адекватне припреме само да би открио - често много прекасно - да се идеја не може одржати у целом процесу. Узимајући време да изврши припремне цртеже, уметник може пажљиво размотрити и дестилирати идеје и на тај начин донети боље креативне одлуке."
Најбољи део ДеМартинових радионица цртања је у томе што студентима пружају низ приступа фигуративном цртању, од којих сваки може помоћи у одређеним аспектима обликовања слике. На пример, ученици сваког дана почињу бржим цртежима гестама који наглашавају спонтане, линеарне аспекте бележења активне позе у цртежу линија.
"Кратке поза од један до 45 минута углавном су више везане за линију и гесту, а дуге (сат или више) о облику и обиму", објашњава он. „Због временских ограничења, тешко је урадити било какво обимно моделирање вредности, па што више начина за израду гласноће линија, то боље.“Када уметници проводе сате или дане радећи из исте пози, њихови цртежи постају анализе вредности у облике који се претварају из светлости у сенку.
"Ова два приступа цртању фигуре могу бити од користи сликарима, али могу довести и до њихових проблема", каже ДеМартин. „Уметници који праве само кратке гесте цртежом често стварају стилизоване слике које су формуларног, а не искреног одговора на појединачне моделе. Супротно томе, уметници који праве само цртеже који захтевају месеце, често завршавају механички тачним опажањима којима недостаје емотиван садржај. Комбиновањем два приступа уметник има веће шансе да буде у стању да направи и брзе процене начина на који се фигуре крећу у простору, као и тачне опсервације које евоцирају суштину особе која је нацртана. “
ДеМартин препоручује да уметници користе различите материјале за цртање, али исти став док праве ове две врсте цртежа. „Цртање треба да се обавља из стојећег положаја са испруженом руком тако да покрет долази од рамена, а не само од зглоба“, каже он. „Уметници би требали бити у могућности да виде и површину цртежа и модел у свом видном пољу.“
ДеМартин објашњава да не постоји само један препоручени приступ цртању или сликању. Кључна ствар коју се уметници сећају је да ће нека количина цртежа помоћи у одабиру елемената слике, успостављању композиције линија и вредности и решавању потенцијалних проблема.
Извор: Прилагођено из чланка Стевеа Дохертија
Технике цртања: линија и сенка
|
|
|
|
|
|
Ево неколико савета уметника и инструктора Јона ДеМартина за учење цртања линијом и контурама или сенкама и тоном.
Линија: Главни циљ брзих скица је снимање ритмичких акција. Нађите радњу пре контура јер ће без тог осећаја кретања цртеж изгубити свој ритмички ток. Ако време дозвољава, постепено унесите структуру концептуализујући оријентацију главе, ребра и карлице у простору користећи вертикалне и хоризонталне средње линије. Фокус је више на костуру тела него на мишићима.
Сенка: Сенке воде уметника у упоређивању других вредности које су на светлу, па их ставите на прво место. Креирајте једну равну вредност за светла (бела на папиру) и једну равну вредност за сенке са шрафираним линијама које стварају светлосни тон. Вриједност није брига, већ само графичка интерпретација обрасца сјене. Важно је препознати који су облици у сенци, а који нису, јер уметници често погреше тамне вредности у светлу за сенке.
Линија: Линије које описују карактеристике могу прећи преко делова тела јер наглашавају проток облика и однос једног облика према другом. Ако рука пређе преко тела, на пример, уметник треба прво да нацрта непрекидне линије тела, а затим нацрта руку преко тог дела тела. Поанта је у томе да се забиљежи акција и контура и да се суптилности дођу касније.
Сенка: Научити цртање или развијање сенки значи радити на адитиван начин, изградити слојеве дрвеног угља. Прво утрљајте у равну, равну масу сјена, а затим помоћу пања са угљеном утопите сјене у папир. Ово служи као лепо супротстављање вредностима у светлу, које се спонтано извлаче излежавањем. У дужим позама тродимензионална илузија цртежа изражава се првенствено кроз вредности светлости и тамне. Равнине у облику који се окрећу од извора светлости потамнеју како се приближавају линији сенке. Ово су вредносне градације на облику које преносе илузију заокружености. Што је облик заокружнији, то су више расподељене градације.
Извор: Прилагођено из чланка Стевеа Дохертија о техникама цртања Јона ДеМартина.
Научите цртати ивице
|
|
|
|
|
|
Контурне линије су корисна лаж коју цртач користи да назначи ивицу обрасца у цртежу линија. Истина, не видимо линију која означава ивицу лица, само видимо где облик закриви поглед. Нацртавање чврсте линије на ивици елемената сугерише облике, а не форме - цртач мора да пази да наговештава остале равни које нису видљиве са места гледаоца. Поред тога, једноставно концентрисање на контурне линије може уметника одвратити од важног задатка да прикаже гесту модела, који обично зрачи из унутрашњости фигуре. Из овог и из других практичних разлога, уметничко руковање ивицама је од велике важности ако је цртеж убедљив.
Криве је тешко тачно приказати. Многи инструктори цртања препоручују користити само равне линије за ивице, ублажујући их касније у кривуље. Ако мислите да је ово почетничка сметња, размислите како је Рубенс, мајстор цртача, користио ову методу.
Рубови обављају велики дио посла у сугерирању дубине. Дебела линија доводи облик напријед, а лагана танка линија може указивати на равнину која се повлачи у позадину. Али ивице нису само линије. У више тонских комада, тврђа ивица и изразити контраст између равнина стварају облик који је гледаоцу ближи него оном који има мекши, светлији изглед. Ово је од суштинског значаја за сјајне сенке - сенка је најоштрија на месту где додирује објект који је баца и она се шири док се сенка продужава од објекта. У свом цртежу, Људи који шетају пољем, Сеурат је приближио помену фигуру напред у равнини слике, повећавајући контраст између тамнијих и светлијих равнина и користећи тврђе ивице на овој фигури.
Јацк Фарагассо у својој књизи Мастеринг Цртање људске фигуре из живота, сећања, маште истиче да увек треба бити свестан да су најважније ивице које означавају светле и тамне обрасце. Као пример користи дебеле оковратнике који се често појављују на Рембрандтовим сликама - важни рубови таквих оковратника нису појединачни завоји и набори, већ ивица сенке док се оковратник помера у светлост. Учинковито приказивање те линије учиниће више да хрпа буде убедљива од стотину детаљних линија.
|
|
|
Где можете позиционирати цртеж на страници
Увек можете да поставите предмет цртежа линија или контурног црта смацк-а на средину странице. То даје снажну изјаву и, у неким случајевима, најјасније изражава како желите да гледалац доживи дело. Али постављање теме негде другде у композицији може учинити да позадина делује за вас и створи интригантне тензије, предложи приповиједање и усмери око према жаришној тачки на суптилнији начин.
Француски израз мисе ен паге (дословно преведен „постављање на страницу“) понекад се користи у односу на овај концепт, али идеја има своје корење у много ранијој историји - уметници сматрају да овај аспект композиције потиче. у ренесанси. До доба Ваттеау-а, његов значај у уметниковом приступу је чврсто утврђен, а данас је готово незамисливо да би радни уметник занемарио пажљиво руковање.
Наша природна тенденција може бити да предмет поставимо у средиште композиције, дајући му пажњу какву заслужује усред наше "фазе", али то не одражава тачно како обично гледамо свет. Осим ако нисмо изузетно блиски нашем субјекту, у нашој периферној визији стиже много информација. Све доживљавамо у контексту, а тај контекст утиче на то како тумачимо жариште. Као ладице морамо се борити против онога што се осјећа аутоматски и истински проматрати читаву сцену како бисмо прецизно описали стол.
Периклис Пагратис, председавајући фондационих студија на Саваннах Цоллеге оф Арт анд Десигн, учи своје студенте да цртају основе и шире, укључујући идеју да, када дизајнирају композицију, о теми требају размишљати као о Медусиној глави - не гледај на то директно или ћете се претворити у камен (или ће ваш цртеж барем бити). Негативни простор око теме требало би да игра кључну улогу у вашој композицији. Биће довољно времена да се пажљиво надји сам предмет кад дође време за његово приказивање.
